Intervista con Koya Kamura

Avevamo già avuto modo di ricordarlo al momento di intervistare Bella Kim, protagonista del film, ad ogni modo Hiver à Sokcho (Inverno a Socko, 2024) di Koya Kamura, prima di raccogliere altri successi sul suolo europeo, aveva ricevuto al 43° Bergamo Film Meeting l’ambito Premio per la Migliore Regia del valore di 2.000 euro. Ecco la motivazione offerta dalla giuria internazionale composta da Dániel Hevér (regista), Andrea Inzerillo (direttore artistico Sicilia Queer filmfest) e Tiina Lokk (direttrice artistica Black Nights Film Festival di Tallinn): «La giuria è stata particolarmente colpita dal modo in cui questa opera prima utilizza materiale complesso a livello registico. La fotografia, il montaggio e la recitazione lavorano magistralmente insieme per creare aspettative sulla ricucitura della famiglia, la ricerca dell’amore e l’arrivo della primavera. Il film ritrae la ricerca dell’identità in modo sensibile e sottile, raccontando una storia di parallelismi generazionali e culturali. Una meteorologia dell’anima che è sempre molto articolata ed intensa. Per questi motivi, il Premio alla miglior regia di Bergamo Film Meeting 43 va a Hiver à Sokcho/Winter in Sokcho di Koya Kamura»

Proprio lui, il regista franco- giapponese che al timone di tale co-produzione internazionale ha compiuto un esordio al lungometraggio davvero brillante, ci ha ora raccontato alcuni risvolti davvero interessanti, sia sulla genesi di quest’opera cinematografica che sulle prime fasi della sua carriera.

Un background multiculturale

Sembrerebbe che anche il suo background familiare, Koja Kamura, abbia avuto una certa influenza nella realizzazione di questo lungometraggio d’esordio. Può raccontarci qualcosa delle sue origini, della sua formazione multiculturale e dell’incontro, che immaginiamo emozionante, con il romanzo di Elisa Shua Dusapin?

Sono franco-giapponese, mia madre è francese e mio padre è giapponese, e ho sempre vissuto tra queste due culture. Sono nato e cresciuto a Parigi, ma a casa, proprio grazie alla figura paterna, mi sono ritrovato esposto al cinema giapponese, alla cucina giapponese e a vari aspetti della cultura e dei comportamenti nipponici fin da giovanissimo. Questo ha creato una sorta di spazio biculturale nella mia vita quotidiana, anche se, in realtà, non avevo amici giapponesi e parlavo pochissimo la lingua fino a quando non ho studiato a Tokyo, a 23 anni.
Quello spazio intermedio mi ha plasmato profondamente, e credo sia qualcosa che risuona con il personaggio principale di Hiver à Sokcho. Questa doppia identità ha chiaramente influenzato il mio lavoro. Il mio primo cortometraggio, ad esempio, era ambientato in Giappone, a Fukushima. Credo di aver sentito il bisogno di raccontare una storia che si svolgesse lì per riconnettermi con quella parte di me stesso, non solo emotivamente, ma anche fisicamente e professionalmente. Realizzare quel film mi ha permesso di lavorare in Giappone, di parlare giapponese sul set, di camminare in luoghi giapponesi che mi sembravano allo stesso tempo estranei e familiari. Era un modo per recuperare un’eredità che era sempre stata presente, ma in qualche modo distante.

Prima di rimetterci a parlare di “Hiver à Sokcho”, vorremmo capire meglio le prime fasi di questa sua carriera. Ad esempio, abbiamo sentito che in Francia, dopo aver iniziato con Viacom, abbia fatto anche da produttore esecutivo e regista per la Disney. Come si è sviluppata questa parte del percorso e cosa hanno lasciato tali esperienze?

Ho iniziato a lavorare nel settore audiovisivo presso Viacom, sul canale francese di videogiochi Game One. Ho iniziato dietro la macchina da presa, poi sono passato al montaggio e a un po’ di scrittura giornalistica. In seguito, sono entrato a far parte della Walt Disney Company, dove inizialmente ho lavorato come montatore prima di diventare produttore creativo, un ruolo ibrido che combina direzione creativa e produzione. Mi occupavo della progettazione di campagne pubblicitarie dall’ideazione alla realizzazione.
Oltre al mio ruolo in Disney, ho anche diretto spot pubblicitari in modo indipendente per altri clienti, tra cui Adidas, L’Oréal e Red Bull. Sono stato essenzialmente un regista di spot pubblicitari per diversi anni.
Ma il cinema è sempre stato il mio obiettivo. Fin da giovanissimo, sapevo di voler raccontare storie, ma per molto tempo ho scritto solo frammenti, incipit, scene isolate, idee, senza mai completare una sceneggiatura. Tutto è cambiato con Homesick, il mio primo cortometraggio. Nasceva da un’esigenza molto personale di raccontare una storia completa, dall’inizio alla fine, e di portarla a termine. Quella è stata la vera svolta.

Abbiamo così appreso che la sua prima regia cinematografica è stata questo corto del 2018, “Homesick”, che ci risulta essere in qualche modo legato alla tragedia di Fukushima. Cos’è che l’ha spinto a girarlo?

Come dicevo prima, ho sempre desiderato scrivere, ma non portavo mai a termine una sceneggiatura. Ripensandoci, credo sia perché ne avevo il desiderio, ma non ancora l’urgenza. Le cose sono cambiate con Homesick, la prima sceneggiatura che ho scritto per intero e molto velocemente. Il film è nato da due eventi profondamente emozionanti. Il primo è stato lo tsunami del 2011 in Giappone, che ha lasciato un segno indelebile su di me. Il secondo è stata la nascita di mio figlio l’anno successivo, nel 2012. Queste due esperienze, una collettiva e tragica, l’altra intima e gioiosa, mi hanno profondamente commosso. Hanno risvegliato qualcosa dentro di me che non potevo ignorare, da lì è nato il bisogno di scrivere. È così che è nato Homesick.

L’estetica del lungometraggio

Sulla nostra rivista abbiamo elogiato più volte la direzione degli attori e la qualità delle interpretazioni di “Hiver à Sokcho”. Come è avvenuto il casting, quali relazioni si sono instaurate sul set e, soprattutto, come avete gestito le diverse lingue e culture?

Per me, dirigere gli attori inizia con il casting. Era fondamentale trovare la coppia giusta per questa storia. Nel caso di Yan Kerrand, la scelta sembrava ovvia. L’avevo già in mente durante la fase di scrittura. Quell’attore era Roschdy Zem. L’avevo visto in Roubaix une lumière di Arnaud Desplechin e l’avevo trovato straordinario. C’era qualcosa, nel modo in cui trasmetteva un peso emotivo con pochissime parole, che risuonava col personaggio di Yann. Per il ruolo di Soo-ha, abbiamo scoperto Bella Kim tramite Instagram. Non per caso, ma grazie a una raccomandazione. Cercavo un tipo ben preciso: una giovane donna che parlasse fluentemente coreano, parlasse un francese eccellente e che fosse alta. Volevo che fosse alta per due motivi. Primo, perché si distinguesse nell’ambiente circostante. Per suggerire che il suo personaggio si sentisse fuori posto, letteralmente troppo grande per gli spazi che la circondavano. Quel senso di dissonanza fisica è importante nel film. In secondo luogo, poiché Roschdy Zem è molto alto, volevo che apparissero sullo stesso piano, visivamente. Data la dinamica: un uomo occidentale sulla cinquantina che arriva in Corea del Sud e trascorre del tempo con questa giovane donna asiatica, ho voluto evitare qualsiasi senso di predominio visivo o simbolico. La sua statura contribuisce a creare una tensione più equilibrata tra loro. Sul set, parlavamo principalmente francese e inglese. Il mio produttore Yoon Seok-nam, che è coreano e parla fluentemente il francese, è stato un alleato fondamentale nella gestione delle scene in lingua coreana. Ho diretto sia Roschdy Zem che Bella Kim in francese, perché entrambi si sentivano a loro agio. Tutto si è svolto in modo abbastanza naturale..

Questo suo film ci è piaciuto molto anche a livello visivo. Per caso conosceva già la città di Socko? E come ha interagito con la direttrice della fotografia Elodie Tahtane per creare determinate atmosfere, sia negli spazi pubblici che negli interni?

No, non conoscevo Sokcho prima di recarmi lì per i sopralluoghi, circa sei mesi prima delle riprese. Avevo in mente un’immagine molto specifica, basata sul romanzo di Elisa Shua Dusapin. Immaginavo una città invecchiata, un po’ kitsch, leggermente malinconica e fuori moda. Ma quando sono arrivato, ho scoperto una città che aveva subito grandi cambiamenti da quando il romanzo è stato scritto, più di 13 anni fa. Era molto più moderna di quanto mi aspettassi, con catene di caffè come Starbucks a ogni angolo. Ben lontana da quello che avevo immaginato.
C’è stato un momento di dubbio. Mi sono chiesta se spostare la storia in un luogo completamente diverso o trovare un altro modo per raccontare Sokcho. Alla fine, abbiamo deciso di incorporare questo cambiamento nella narrazione. La città, come la protagonista, è colta in un momento di trasformazione. Questo parallelismo è diventato parte integrante della trama del film. Per quanto riguarda il linguaggio visivo del film, ho lavorato a stretto contatto con Elodie Tahtane, la direttrice della fotografia. La collaborazione è stata impeccabile. Abbiamo condiviso riferimenti comuni e ne abbiamo anche introdotti di nuovi. Fin dalle prime conversazioni, la nostra visione del film era allineata. Tutto è avvenuto in modo molto naturale.

Tra le tante suggestioni estetiche presenti vi è anche il ricorso all’animazione. Quando ha deciso di usarla?

Ho capito da subito che volevo integrare l’animazione nel film. Il romanzo è scritto in prima persona, quindi i lettori hanno accesso diretto ai pensieri del personaggio. Le sue emozioni, le sue percezioni, il suo modo di analizzare il mondo che la circonda. Nell’adattare la storia al cinema, ho voluto preservare quell’interiorità, ma senza ricorrere a un espediente letterale o eccessivamente esplicativo.
Ho deliberatamente evitato di usare la voce narrante, perché suggerisce che l’emozione sia già stata elaborata e tradotta in parole. Implica distanza, chiarezza. Ma ero più interessato a ciò che è ancora confuso, crudo, inespresso. L’animazione mi ha permesso di esplorare quello spazio. A seconda della scena, poteva essere più astratta, evocando una vaga sensazione o virare lentamente verso qualcosa di più figurativo man mano che l’emozione diventava più chiara. Per me, era un modo poetico e flessibile di rappresentare lo stato d’animo del personaggio.

Il dramma delle due Coree

Un segmento narrativo molto particolare è la visita ai luoghi posti al confine tra le due Coree. Ci si è mossi d’istinto per raccontare questa parte o conosceva già alcuni importanti film coreani sull’argomento, come “Joint Security Area” di Park Chan-wook?

Sì, una delle scene del film è stata girata nella DMZ, il confine tra Corea del Sud e Corea del Nord. Avevo, ovviamente, visto Joint Security Area di Park Chan-wook, che ho trovato davvero brillante. Avevo anche fatto ricerche sull’argomento e l’avevo studiato anni fa a scuola. Ma è solo quando sei fisicamente lì, durante le riprese, che ti colpisce davvero il peso di ciò che questa divisione rappresenta.
Ti ritrovi su una spiaggia coperta di filo spinato che si estende per chilometri, pensato per impedire a chiunque di attraversare a nuoto dal Nord. Passi attraverso rigidi posti di blocco militari. Ti trovi in ​​un osservatorio, guardando con un binocolo i posti di guardia nordcoreani dall’altra parte. È un’esperienza che rende l’idea astratta di separazione dolorosamente tangibile. È stata una giornata di riprese molto insolita ed emozionante, caratterizzata da un misto di curiosità e malinconia.

Il suo film ha recentemente ricevuto un importante riconoscimento a Bergamo, un altro in Bulgaria, ed è finito in programmazione anche a Roma. È soddisfatto di questa calorosa accoglienza nei paesi europei? Ed è già stato proiettato il lungometraggio in Corea o in Giappone?

Sì, sono stato sinceramente emozionato (e un po’ sorpreso) dalla risposta al film, in particolare in Francia, dove abbiamo ricevuto un’accoglienza calorosa dal pubblico nelle sale. Non mi aspettavo un’affluenza così elevata, quindi è stata una meravigliosa sorpresa.
Oltre alla Francia, sono anche lieto di vedere il film riscuotere un successo internazionale, nei festival di tutta Europa e in altre parti del mondo. È stato proiettato in Giappone a un festival a Tokyo lo scorso novembre, e l’accoglienza è stata molto positiva, il che ha significato molto per me.
Tra circa una settimana il film sarà presentato al Jeonju International Film Festival in Corea del Sud, e non vedo l’ora di essere lì e scoprire come lo accoglierà il pubblico coreano. Uscirà anche nei cinema sudcoreani più avanti, cosa che mi entusiasma molto.

Per finire, abbiamo saputo che il suo prossimo lungometraggio sarà ambientato di nuovo a Fukushima. Può raccontarci qualcosa su questo nuovo progetto?

Il prossimo progetto mi riporterà a Fukushima, proseguendo il percorso iniziato con Homesick. Questa volta si tratta di un thriller poliziesco ambientato nel mondo della decontaminazione post-disastro. Il film si intitola Evaporated. Non posso ancora rivelare troppo, dato che il progetto è ancora in fase di sviluppo, ma ci sto lavorando attivamente.